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El arte unirá a la humanidad, Nicolás Roerich.

Nicolás Roerich escribió:

«El arte unirá a la Humanidad. El arte es uno e irrepartible.

El arte tiene muchas ramas y una sola raíz… Cada uno percibe la verdad de la belleza. En la belleza estamos unidos, por la belleza oramos, Con la belleza conquistaremos.

Para todos deben ser accesibles y abiertas las puertas de la fuente sagrada.

La luz del arte iluminará los innumerables corazones con un amor nuevo. En un principio, este sentido vendrá desapercibido, pero más tarde este sentido limpiará toda la conciencia humana.

Cuántos corazones jóvenes están buscando algo bello y auténtico. Dádselo, pues. Dadle el arte al pueblo, que el arte le pertenece.»

En sus ensayos — obras filosóficas y literarias — Nicolás Roerich crea un concepto de Cultura absolutamente nuevo, fundado en las ideas de la Ética Viva.

La cultura, según Nicolás Roerich, está ligada estrechamente con los problemas de la evolución universal de la humanidad y es «el gran pilar» de este proceso.

«La cultura se apoya en la Belleza y en el Conocimiento» — escribía él.

Y repetía, con una pequeña aclaración, la célebre frase de Dostoievski: «La conciencia de la Belleza salvará el mundo». El hombre conoce la Belleza solamente a través de la Cultura, cuya parte integrante es la creación.

En 1929 Nicolás Roerich, colaborando con el Doctor en Derecho Internacional y Ciencias Políticas de la Universidad de París, George Chklaver, prepara el proyecto del Convenio sobre la protección de los tesoros de cultura (El Pacto Roerich) que fue promulgado de acuerdo a los códigos de derecho internacional.

Junto al Pacto, Nicolás Roerich ofrece una señal especial para identificar objetos de protección: la Bandera de la Paz; es una bandera blanca con una circunferencia roja dentro de la cual están tres círculos rojos simbolizando la unidad del pasado, presente y futuro dentro de la eternidad.

Por su actividad internacional en la esfera de la cultura y por haber inspirado el Pacto, Nicolás Roerich fue nominado para el Premio Nobel de la Paz.

He aquí una cita del llamamiento del Comité Nobel:

“Desde 1890, Nicolás Roerich con sus libros, conferencias, investigaciones, lienzos y en otras muchas esferas donde se ha revelado su destacada personalidad, venía explicando, de una manera eficaz, la doctrina sobre la Hermandad Internacional.

La propaganda de la Paz es aceptada en más de 21 países; su inspirador, profesor Nicolás Roerich, ha sido invitado a participar en numerosas actividades diferentes que confirman el reconocimiento y la influencia de ella.

Los cuadros de uno de los pintores más grandes conocidos en nuestra Historia reflejan una gran belleza y luz de espíritu que simbolizan su doctrina. <…> Creemos firmemente que la paz internacional, estable y definitiva, puede ser accesible solamente mediante educación de las personas y mediante una propaganda constante y persuasiva de la Hermandad creada por la cultura, poesía y belleza en todos los aspectos de la vida.

La obra de Nicolás Roerich es un gran llamamiento a todo el mundo para que las personas vivan con amor, que se amen”.

Pequeña galería de su obra

And_We_Continue_Fishing-1 And_We_Open_the_Gates-1 Banner_of_the_Future-1 Beda_the_Preacher-1

Bhagavan_1931-1 Bhagavan_1943-1 Book_of_Life-1 Book_of_Wisdom-1

Boris_and_Gleb-1 Boris_and_Gleb_Sketch-1 Brahmaputra_1932-1 Brahmaputra_1945-1

Call-1 Call_of_the_Heaven-1 Caravan-1 Castle_of_Ladakh-1

Coast-Dwellers_Evening-1 Command_of_Rigden_Djapo-1 Command_of_the_Teacher-1 Commands_of_the_Heaven-1

Conflagration_1-1 Confucius_the_Just_One-1 Conjuration-1 Conjurer-1

Crowns-1 Chang-La_Mountain_Pass-1 Chang-Thang_Northern_Tibet-1 Chenrezi_1931-1

Chenrezi_1932-1 Chintamani-1 Dorje_the_Daring_One-1 Dragon`s_Daughter-1

Drops_of_Life-1 Dwelling_of_the_Thakur_Gundla-1 Elias_the_Prophet-1 En-no-Gyoja_Friend_of_the_Travelers-1

Evening_Call-1 Everest_from_Tibet-1 Fire-1 Fire_Blossom-1

Fireside-1 From_Beyond-1 Gesar_Khan-1 Gistasp-Shah_Name-1

Graves_in_Desert-1 Great_Are_Lands_Beyond_Seas_2-1 Great_Spirit_of_the_Himalayas-1 Guard-1

He_Who_Hastens-1 He_Who_Waits-1 Herald-1 Hermit_Mysterious_Old_Man-1

Hidden_Treasure_1917-1 Hidden_Treasure_1947-1 Higher_Than_the_Mountains-1 Himalayan_Morning-1

Himalayas_46-4-1 Himalayas_Red_Sunset-1 Himalayas_Setting_Moon-1 Holiest_Thang_La-1

Horse_of_Happyness-1 Human_Forefathers-1 In_the_Monastery_Sister_Beatrice-1 Invocation_New_Moon-1

Iskander_and_the_Hermit-1 Island_of_Rest-1 Issa_and_the_Skull_of_the_Giant-1 Jelep_La_Tibetan_Frontier-1

Kanchenjunga_1944-1-1 Kardang_Village_Lahul-1 Kiss_to_the_Earth-1 Krishna_1936-1

Krishna_1946-1 Krishna_Magic_Flute-1 Krishna_Spring_in_Kulu-1 Ladakh_1937-1

Lahul_2-1 Lahul_3-1 Language_of_the_Birds-1 Language_of_the_Forest-1

Lao_Tse_1924-1 Lao_Tse_1943-1 Last_Angel_1912-1 Lhassa-1

Light_Conquers_Darkness-1 Lights_on_the_Ganges_1-1 Lord_of_the_Night-1 Lotus-1

Madonna_Laboris-1 Maitreya_1932-2-1 Maitreya_the_Winner_1-1 Mercy-1

Message_from_Shambhala_1931-1 Message_of_Shambhala-1 Message_to_Tiron-1 Messenger_from_Himalayas-1

Miracle-1 Mohammed_on_Mt_Hira_1925-1 Mongolia_I-1 Mongolia_Olun_Sume-1

Mongolian_Tsam_Religious_Ceremony-1 Moses_the_Leader-1 Mother_from_Turfan-1 Mother_of_Genghis_Khan_1933-1

Mother_of_the_World_2-1 Mountain_Abode_1-1 Mountain_Lake_Baralacha-1 Nagarjuna_Conqueror_of_the_Serpent-1

Nan_Shan_Tibetan_Frontier-1 Nanda_Devi_1941-1 Nastasia_Mikulichna-1 Nibelungs-1

Northern_Midnight-1 Oirot_Messenger_of_the_White_Burkhan-1 Om_Mani_Padme_Hum-1 On_the_Heights_Tumo-1

Overseas_Guests-1 Padma_Sambhava-1 Palden_Lhamo-1 Path-1

Path_to_the_Kailas_1-1 Path_to_the_Kailas_Monastery-1 Pearl_of_Searching-1 Prince_Igor_Campaign-1

Procopius_the_Righteous_Praying-1 Putivl-1 Remember_1924-1 Remember_1945-1

Rocks_of_Ladakh_1932-1 Rocks_of_Ladakh_1933-1 Rocks_of_Lahul_1935-1 Rocks_with_Buddhistic_Caves-1

Sacred_Himalayas_1-1 Sacred_Himalayas_2-1 Saint_Mercurius-1 Saint_Sophia_the_Almighty_Wisdom-1

Schegolikha-1 Serpent_Birth_of_Mysteries-1 Shadow_of_the_Teacher-1 She_Who_Leads_1924-1

She_Who_Waits-1 Sign-1 Silvery_Realm-1 Snegurochka-1

Solitary_Traveler-1 Solveig`s_Song-1 Solveig`s_Song_Hut_in_the_Woods-1 Sonf_of_the_Waterfall-1

Sonf_of_the_Waterfall_1937-1 Song_of_Shambhala-1 Song_of_the_Morning-1 St_Panteleimon_the_Healer_1916-1

St_Panteleimon_the_Healer_1931-1 Star_of_the_Hero-1 Star_of_the_Morning-1 Star_of_the_Mother_of_the_World-1

Stronghold_of_the_Spirit-1 Stronghold_of_Tibet_2-1 Sunset_2-1 Svyatogor-1

Sword_of_Gesar-1 Thought-1 Tibet_Monastery-1 Tibetan_Camp-1

Tibetan_Camp_Keylang-1 Tidings_of_the_Eagle-1 Timur_Khada_Mongolia-1 Tmutarakan-1

Tract-1 Treasure_of_the_Mountains-1 Treasure_of_the_World_Chintamani-1 Vasilisa_the_Wise-1

Vault_Sister_Beatrice-1 Victory_Zmei_Gorynych-1 Viking_Daughter-1

Wanderer_from_the_Resplendent_City-1 Warrior_of_Light-1 Whispers_of_Deserts-1 White_Stone-1

Yarilo`s_Walley-1 Yaroslavna_Tower_Room-1 Young_Moon-1 Zoroaster-1

Otras paginas sobre Roerich:

  • International Centre of the Roerichs
  • Museo Nicholas Roerich
  • Sociedad Agni Yoga
  • Movimiento-Roerich en Internet
  • International Roerich Memorial Trust
  • Sus versos en ruso
  • Libros de Agni Yoga en Biblioteca Upasika
  • http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Nicholas_Roerich
  • Fuentes: WIKIPEDIACONOSCERE L´ARTE (Rizzoli Editore)

    HISTORIA DEL ARTE (Salvat Editores)

    Esta obra se distribuye con una licencia de Creative Commons.

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    Fotografía,la escritura de la luz.

    180px-Leica-0-p1030306 Desde que  George Eastman en 1888  lanzo al mercado la cámara Kodak 100 Vista, que utilizaba carretes de 100 fotos circulares, para cuya campaña de promoción acuñó la frase «Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto», millones de personas en el mundo, han ido y vamos, con nuestras cámaras al hombro, tomando instantáneas y esperando inútilmente, conseguir esa fotografía que podríamos mostrar a algunos amigos, diciendo: ¡¡ oh,… de esta fotografía me siento muy orgulloso, es muy buena!!, pero…..¡solo unos pocos están tocados con esa varita mágica, que hace una obra de arte de la mirada al mundo!.

    Sabido es, que el término fotografía procede del griego φως phos (“luz“), y γραφίς grafis (“diseñar“, “escribir“) que, en conjunto, significa “diseñar/escribir con la luz“, también de todos es conocido su influencia en nuestra historia, como por ejemplo podríamos constatar en las 100 fotografías que cambiaron el mundo según la revista Life.

    18Camera_obscura La fotografía, es un invento que se gesto en el renacimiento por un alumno del gran Leonardo, pero ha sido en una época muy reciente, cuando se ha convertido en una verdadera cronista del tiempo y que ha revolucionado la comunicación entre los pueblos, es también objeto de culto y verdadero arte, pese a que su calificación como Arte, haya sido objeto de grandes debates, entre los partidarios a considerarla como tal y sus detractores.180px-Daguerreotype_Daguerre_Atelier_1837

    El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la pintura. Sin embargo, rápidamente amplió su léxico gracias a la facilidad de hacer enfoques extremos (picados, contrapicados, etc.), la captura del movimiento con largos tiempos de obturador y la decisión del momento. La presión sobre el fotógrafo para marcar su subjetividad en la fotografía forjó un lenguaje lleno de sutilezas pero perfectamente comprensible, muy directo para cualquier observador.

    Este atrayente “escribir con luz“, hizo enseguida una legión de aficionados, entre ellos muchos artistas dispuestos a explorar nuevos caminos visuales; pero la fotografía es una afición, mejor dicho, era una afición relativamente cara, pues para conseguir una buena fotografía, aun hoy día, es necesario desechar cientos o quizás miles de fotos. Por eso quien ha querido canalizar su visión artística, desde un punto de vista profesional, (sin tener para ello, una posición económica holgada), ha tenido sin remedio que dedicarse, para poder sostener esa afición, a otros campos de esta, como el retrato fotográfico o el reportaje gráfico para la prensa escrita, (Robert Capa, David Seymour “Chim”, Henri Cartier-Bresson, George Rodger y Bill Vandivert, entre otros)eso explica, que muchas de las fotografías consideradas hoy como obras de arte, hayan nacido de fotógrafos profesionales.naturaleza sexy

    La cámara digital e Internet ha cambiado todo este panorama. Hoy día con la aparición de las cámaras digitales, cámaras mixtas con vídeo y  la fotografía en entornos de realidad virtual se han ampliado de una manera espectacular las distintas posibilidades de la plasmación de imágenes y el lenguaje artístico contenido en ellas y eso sin hablar de otros usos prácticos como la Ortofotografía una  técnica empleada  en cartografía, arquitectura y arqueología entre otras ciencias. El desarrollo de la informática y el  bajo coste de la fotografía digital, ha aumentado de una manera espectacular el numero de aficionados a ella y por tanto ha agrandado el numero de artistas que de otra forma veían coartadas sus posibilidades, a esto se ha unido,  la fácil forma de dar a conocer sus trabajos a través de su difusión en la red.margaritas raras Otras artes como la escultura o la pintura, requieren recintos específicos como son los museos, para la exposición de las obras artísticas. No ocurre así con la fotografía, pues incluso en los murales de publicidad de las calles de nuestras ciudades, podemos encontrar obras de arte fotográficas y desde luego en el seno de nuestro propio hogar en esos miles de paginas que hay en Internet.equidna1

    Hay muy buenos artistas en esta disciplina, incluso la especialización en temas, consigue que determinadas fotografías, muestren realidades que podrían pasar desapercibidas de otra forma, fotografiar insectos,ciempies flores raras o quizás determinados ejemplares de peces de las profundidades marinas ornitorrrinco por poner un ejemplo, solo ha sido posible,  gracias a esta popularización que ha conseguido la fotografía digital.

    Existen infinidad de paginas web dedicadas a la fotografía, Google o Flirckr por nombrar dos de las más conocidas,  pueden mostrarnos ejemplos de fotografías inimaginables hace muy pocas décadas, fotos algunas tomadas por personas no dedicadas profesionalmente a ella, anónimos para la mayoría, pero que en nada tienen que envidiar a los expertos consagrados y lo mejor es, que podemos disfrutar de esas fotografías sin tener que pagar por ellas, pues una gran parte de la producción fotográfica esta disponible con licencias de Creative Commons, (lo que no significa que no tenga  sus derechos el autor). También podemos encontrar muchísimas paginas dedicadas a enseñar los trucos o técnicas necesarios para conseguir buenas fotografías.

    Pero no,… no es la técnica, no son los avances de la digitalización en la fotografía, no es que cualquier mortal no pueda hacer muy buenas fotografías, el Arte de la fotografía, creo que en realidad se contiene en la mirada al mundo del artista, ella es la que transmite la emoción, la serenidad, la ternura y  la conciencia de vivir, gracias a esa mirada nos sentimos mejores personas, esos artistas de la fotografía, pudieran haberlo sido de otras disciplinas si se hubieran inclinado hacia otras técnicas artísticas.

    Un ejemplo de lo que digo es Mamen Saura, autora de unas fotos emocionantes, ella es una española afincada en Estados Unidos, que tiene a la India como su segunda casa, viajera infatigable ha hecho de su periplo por el mundo, una impresionante crónica de pequeños detalles, de miradas mas allá del mero reportaje de viaje.Mamen Saura 2 Su fotografía se centra en detalles que resumen en una sola imagen,Mamen Saura  4 la belleza de las personas y  los lugares que ha visitado. Su fotografía contiene critica social Mamen Saura 3 pero solo se percibe de forma indirecta, el cuidado del encuadre, la composición, el detalle y sobre todo el color, hacen que cada foto suya  y toda su obra, estén impregnados de las múltiples sensaciones que hacen reconocer a la autora, como una gran artista. Mamen Saura 1

    En su pagina web, Mamen Saura Photography, muestra una parte de su obra que se puede ver de una forma mas completa en Flirckr.

    Su forma de “escribir la luz“, el amor y  la belleza que transmite y su capacidad de comunicación por tanto, nos hace mejores personas, ¿no es cierto?.

    Paginas de fotografía artística : Musée McCord Museum , Cromatismos.com , ZoneZero.com , FNAweb.com , Fotonostra, MOHOLY , Fotografías de paisajes.com , World Press Photo , Collageart. org´s Art Links , Multimagen.com, dZoom.org , Libros de Fotografía , Fotografía.net

    Paginas de fotografía de uso libre,hay muchas señalo estas : Fotolibre.org , Juglar Imágenes libres , openphoto.net , Flickr Creative Commoons

    Fotografías de esta pagina:Wikipedia, Google, Mamen Saura Photography.

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    Kandinsky,el sonido interior

    Eran los últimos días del mes de Abril del 2005, mi esposa y yo, disfrutábamos de una semana de vacaciones en Mallorca y como hacemos siempre que visitamos la isla, dedicamos un día a descubrir encantos de la ciudad, que tiene bastantes por otra parte.

    Fue paseando y por casualidad,  vimos el anuncio de una exposición de pintura dedicada a Kandinsky.

    Exposición Kandinsky

    Decidimos rápidamente entrar, este artista no era precisamente entonces de los que yo conociera mucho, algo sabia de él, pero todo lo que hubiera podido contar se hubiera escrito en cuatro líneas.

    Nos gusto mucho y desde entonces ha sido uno sobre los que más he aprendido.

    KANDINSKY 1

    Si hay mitos que rompe este pintor uno es el del bohemio, de vida anárquica, sin una definición clara de objetivos de vida, términos que sí se podrían aplicar a muchos de sus coetáneos en la vida artística.  Él los cumplió, pero ha sido muchos años después, cuando su despojar de todo lo accesorio al arte, es comprendido. La sociedad es capaz ya, de escuchar la música presente en su pintura.

    Dejemos que el mismo Kandinsky nos cuente los efectos del color,tal y como lo describe en su libroPinturas exposición Kandinsky 1De lo Espiritual en el Arte “: ...” A medida que se desarrolla el ser humano, se amplía el círculo de las cualidades que encierra en sí diferentes objetos y seres.Cuando se alcanza un alto grado  de desarrollo de la sensibilidad, los objetos y los seres adquieren un valor interior y, finalmente un sonido interior.Lo mismo sucede con el color, que provoca sólo un efecto superficial cuando el grado de sensibilidad no es muy alto; el efecto desaparece al finalizar el estímulo.Pero también a este nivel el efecto simple tiene diverso matiz.Los colores claros atraen el ojo con intensidad y fuerza y es mayor aún en los colores claros y cálidos: el bermellón atrae y excita como la llama, que el hombre siempre contempla ávidamente.El estridente amarillo limón duele a la vista más que el tono alto de una trompeta al oído.El ojo se inquieta, no puede fijar la mirada y busca profundidad y calma en el azul o el verde.Cuando la sensibilidad está  más desarrollada, este efecto elemental trae consigo otro más profundo, que provoca una conmoción emocional.En tal caso obtendremos el (…) efecto psicológico producido por éste.Aquí aparece la fuerza psicológica del color, que provoca una vibración anímica.La fuerza física elemental es la vía por la que el color llega al alma”……”La calidad acústica de los colores es tan concreta, que a nadie se le ocurriría reproducir la impresión que produce el amarillo claro sobre las teclas bajas del piano, o describir el barniz de granza oscuro como una voz de soprano..”…”En general el color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma.El color es la tecla.El ojo el macillo.El alma es el piano con muchas cuerdas.El artista es la mano que, por esta o aquella tecla, hace vibrar adecuadamente el alma humana.La armonía de los colores debe basarse únicamente en el principio del contacto adecuado con el alma humana.Llamaremos a ésta base, principio de la necesidad interior“.

    Como uno de los primeros exploradores de los principios de no representación o “pura” abstracción, Kandinsky puede ser considerado un artista que allanó el camino para el expresionismo abstracto, la escuela dominante de la pintura desde la Segunda Guerra Mundial (1939-1945).

    Wassily Kandinsky fue el autor de frases como que “….En pintura una mancha redonda  puede ser más significativa que una figura humana” y es que Wassily Kandinsky es el padre de la abstracción.

    Una  introducción  al  abstractismo

    Cualquier producción artística implica una abstracción, incluso el  Murillo-trampantojo trampantojo, la fotografía o cualquier objeto de uso cotidiano que sea propuesto sin modificación alguna al interés estético. Por convención, se designa como abstractismo el arte que se desentienden de los datos sensoriales o de las nociones usuales sobre las formas naturales. Esta tendencia maduró en Viena hacia finales del siglo XIX, en la órbita de las discusiones de donde había de brotar más adelante el psicoanálisis por obra de Sigmund Freud, pero es el abstractismo propiamente dicho, programado por W.Kandinsky en 1910-1913.  Permaneció inicialmente en una línea simbolista, pero su apelación a la “interioridad”, se resolvió lentamente, sin clamores en un giro radical. Al principio, según el ejemplo de la música,Kandinsky procedió a la busca de puros acordes de color ritmados por elementos lineales.Se infiltro el gusto geometrizante que ganó a otros pioneros del abstractismo, como Piet Mondrian,Piet Mondrian Malevich, Delaunay, Cabo y a los constructivistas rusos, que condicionaron además la Bauhaus de Weimar, fundada en 1919 por el arquitecto Gropius y donde enseñaron el propio Kandinsky y Klee,Klee Schlemmer, Moholy-Nagy y Feininger. En un principio el abstractismo queda limitado a círculos aislados de vanguardia, pero después del segundo conflicto mundial (1945),se extiende a todo el mundo. Entre tanto, la violencia aparentemente desenfrenada de las expresiones iniciales de Kandinsky, continuaba siendo mirada suspicazmente tanto por los artistas,  como por los críticos y solo a partir de 1960 aproximadamente, es cuando los fermentos de la primera época de Kandinsky han dado sus frutos.

    Algo  de  su  biografía

    Kandinsky, Moscú, 1866-Neuilly-sur-Seine, 1944

    1866-1896

    Wassily Kandinsky nació el 4 de diciembre de 1866 en Moscú, en el seno de una familia acomodada, cuando el niño tenía cinco años la familia se traslada a Odessa, donde como era usual en la época recibe clases de música y pintura, hecho que imprime el espíritu artístico que ya nunca le abandonaría.

    A la edad de veinte años fue a estudiar Leyes a Moscú, (su ciudad natal). Se habla de la fascinación que le produjo el contemplar un cuadro de Monet. Parece ser que fue esa admiración profunda por el impresionismo, la que le hizo tomar las decisiones sobre su futuro.

    Con sus veintisiete añitos ya tiene un contrato de profesor en la facultad donde ha estudiado y tres años después le ofrecen un puesto de docente en la ciudad de Tartu (entonces algo convulsa por las actividades del nacionalismo de Estonia), él lo rechaza, su pasión por la pintura le lleva a abandonar el mundo del derecho y decide cambiar radicalmente de profesión. Se traslada entonces a Múnich (en esa época uno del los mejores centros de arte) para estudiar y adopta la nacionalidad alemana.

    No era por tanto un bohemio marginal, ni un aventurero sin recursos, más bien un serio y respetado profesor, de buena posición y bien seguro de lo que quería.

    1896-1909

    Estudia primero en la academia de arte de Antón Azbe donde conoció a otros artistas como Alekséi Von Jawlensky y después en la Academia de Bellas Artes de la ciudad con Franz von Struck, su estudios no solo fueron de pintura sino que abarcaron un amplio mundo, como por ejemplo los grabados en madera. Su actividad artística es muy intensa y muy en contacto con las vanguardias francesas se deja influir por las nuevas tendencias, impresionismo, simbolismo, modernismo etc., promueve exposiciones y funda el grupo Phalanx con el objetivo de impregnar a la ciudad alemana, abre una escuela dando clases en ella, (su obra en los albores del siglo eran sobre todo paisajes sombríos, temas basados en tradiciones de la patria chica o del Medievo, casi todos realizados con espátula y teniendo como guía la experimentación técnica, consiguiendo composiciones casi abstractas) se estructura entonces de una forma más libre y colorista. En 1902 realiza sus primeras xilografías y expone en la ciudad de Berlín y 1904 expone en el Salón de Otoño de París, paraíso entonces de artistas.

    En los años posteriores él viaja mucho, lo hace acompañado de una pintora (Gabrielle Münter, que se convierte en su compañera) y además de visitar Rusia, lo hace por toda Europa y hasta por África (Túnez).

    A la vuelta se queda en la ciudad del Sena, donde toma contacto con los pintores del Montparnasse y de MontmartreCubismo, Fauvismo y otras tendencias postimpresionistas, van irrumpiendo en su concepto de estética, en esta ciudad expone repetidas veces y ya se instala después casi definitivamente, haciéndose entonces francés.

    Como se ve claro, ruso, alemán, francés, para él la nacionalidad geográfica era solo un papel y su única patria era el Arte.

    1909-1914

    La NKVM (Neue Künstlervereinigung München o Nueva Asociación de Artistas de Múnich), grupo que Wassily Kandinsky funda con su amiga Gabrielle Münter, con Alfred Kubin y con Alekséi von Jawlensky, Adolf Erbslöh y Alexander Kanoldt. Estas figuras pictóricas se reunieron para estudiar en Múnich en 1909 y eligen a Wassily presidente. El grupo realiza la primera exposición en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año.

    Pinturas exposición Kandinsky 2 Entre 1909 y 1911, la NKVM organiza el ciclo de tres exposiciones:

    En un primer ciclo: se mostró el grupo original y algunos artistas invitados

    El segundo ciclo: Aquí se amplía a artistas de vanguardia rusos y franceses y exponen artistas como Georges Braque y Pablo Picasso.

    Y en el tercer y último ciclo son excluidos la mayoría de los anteriores artistas, debido sobre todo, a las disensiones dentro del grupo. Se prefigura entonces un nuevo grupo que fundan Wassily Kandinsky y Franz Marc más vinculado al expresionismoDer Blaue Reiter”, que en 1911 hace su propia exposición dentro de la misma galería. Abandona Kandinsky entonces la NKVM.

    En sus exposiciones también participó Paul Klee, que sin ser miembro de esta asociación se sentía muy unido a ellos.

    Entre otros miembros de “Der Blaue Reiter” estaban los nombres de August Macke, Gabrielle Münter y Marianne von Werefkin. Su interés común era el arte gótico y primitivo y movimientos modernos como el fauvismo y el cubismo.

    El nombre del grupo “Der Blaue Reiter” (El Jinete Azul), deriva del gusto de Kandinsky por el azul y del amor de Franz Marc por los caballos.

    A partir de 1912, recibe el mismo título, un anuario en el que va a desarrollar bastante de la teoría pictórica en la que él cree.

    Pinturas exposición Kandinsky 3

    Der Blaue Reiter” hace dos exposiciones la primera de ellas, se inauguró el 18 de diciembre de 1911 y permaneció en la Galería Moderna de Heinrich Thannhauser, en Múnich, hasta el 1 de enero de 1912. En ella se incluyeron 49 obras de Henri Rousseau, Albert Bloch, Heinrich Campendonk, Robert Delaunay, Klee y Macke y del mismo Kandinsky.

    En esa época al igual que Piet Mondrian se interesa por la teosofía entendiendo esta como la verdad fundamental que subyace detrás de todas las doctrinas y religiones, una verdad esencial que estaría oculta tras las apariencias y que da racionalidad al arte abstracto.

    Empezó ese camino teórico hacia la abstracción algo antes, en 1908 Wilhelm Worringer había publicado “Abstracción y empatía”, en él se desmonta la jerarquía de valores al uso, que estaba basada en las leyes del Renacimiento, proclama que estas no son suficientes para considerar el arte en otras culturas.

    Sus reflexiones son influenciadas además por la música de un también innovador Arnold Schönberg.

    Es una etapa esta de plena abstracción de Kandinsky, su posición entonces es la de liberar el Arte de toda la referencia a la naturaleza.

    Pero su labor creativa no se limita al Arte, sus ideas las plasma en su libro De lo espiritual en el arte”(1911) y en sus escritos en el Almanaque del Jinete Azul (Der Blaue Reiter Almanac)(1912) , “Mirada al pasado” (1913), donde cuenta de manera autobiográfica sus experiencias en pos de la abstracción y narra en él, cómo descubrió los colores de niño o la experiencia que tuvo ante una pintura de Monet, mas adelante publicaría “Punto y línea sobre el plano” (1926),que sirve sobre todo para difundir sus ideas.

    En su pintura de esa época va desapareciendo la línea del horizonte y cualquier referencia espacial aparece mucho más el color con gran intensidad y ya no hay ilusión de profundidad. Sería alrededor de 1910 cuando pinta su primera acuarela abstracta. Pero es en 1913 cuando comenzó a trabajar en la primera obra totalmente abstracta en el arte moderno, en “Pintura con tres manchas” ya no se hace referencia a objetos del mundo físico, su pintura está caracterizada a partir de ese momento por colores brillantes y patrones muy complejos, superando lo material mediante el color, llegando entonces a la más pura abstracción. “Líneas radiales” donde las formas se reducen al cuadrado, el circulo y el triángulo, donde las cuatro líneas rectas acuden hacia el circulo. “Estudio de color con anillos concéntricos”,Pinturas exposición Kandinsky 4

    “Estudio para composición VII”,Pinturas exposición Kandinsky 5

    Estudio para pintura con borde blanco”,Copia (5) de Pinturas exposición Kandinsky están entre las obras de 1913.

    No hay que olvidar los momentos de convulsión en los que está envuelta la sociedad europea en ese momento. Poco tiempo después estalla la primera gran guerra del siglo XX y en ella, la violencia se desató a extremos inimaginables .Esto sin duda hubo de influir en su arte.

    1914-1944

    Regresa a Moscú, crea museos,da conferencias, enseña en la capital Soviética, en la Academia de Bellas Artes desde 1918 hasta 1921 y destaca en su labor como miembro del Comisariado de Educación Popular.  En 1917 se casa con Nina Adreevsky, su segunda esposa, que le acompañará desde entonces en su trayectoria artística.

    Pero Rusia ya era a partir del 1917 la Unión Soviética y la doctrina política entiende e impone otras formas artísticas y es el realismo socialista la estética dominante. Kandinsky regresa a Alemania donde se convierte en uno de los más importantes colaboradores de la Bauhaus de Weimar y después  en  Dessau, donde se trasladará la escuela en 1925, de la mano de Walter Gropius, donde da clases en un taller de pintura decorativa, en la que  al  mismo tiempo,  su pintura se contagia de la tendencia geométrica de esta escuela. Allí se reencuentra con viejos amigos como Klee, Jawlensky y Feininger con quienes formará Los Cuatro Azules.

    En 1933 abandona Alemania, huye a París y se instala en Neuilly-sur-Seine, en los alrededores de la ciudad del Sena, su pintura recupera entonces  la abstracción más libre de sus primeros años y sus obras son más orgánicas pero también más  incomprendidas por los críticos. No quiso abandonar la ciudad, mas que por breve tiempo,al producirse la invasión nazi. En 1937 viaja a Suiza con su amigo Klee; ambos se acercaban ya  al termino de su existencia. Rápidamente se deterioraba el mundo de valores que ellos habían pintado: Kandinsky el de la tradición y la razón geométrica (el gran mito del Bauhaus de Gropius), y Klee el de la demoníaca capacidad creativa del genio humano.Klee muere en 1940, Kandinsky  cuatro años después, el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly, muy cerca de su querido París, sin poder disfrutar de la consagración de la abstracción como tendencia pictórica.

    Su tiempo

    De 1875 a 1900

    Estados Unidos,Alemania y Japón, se hallaban en pleno desarrollo industrial y la economía francesa, aunque en menor grado, progresaba también.Entre 1873 1895 la economía mundial pasó por una etapa de estancamiento y las rivalidades de las grandes potencias se agudizaron. Se volvió a un proteccionismo, agresivo a veces como sucedió en Italia. La necesidad de materias primas, de nuevos mercados y de invertir el capital acumulado en países donde los beneficios fueran más atrayentes expandió  el proceso imperialista. Estados Unidos aumentó su presión en América Central, mientras que los bancos europeos invirtieron en forma masiva en América del Sur. África fue repartida entre las potencias europeas, que, por otro lado, afianzaron sus intereses comerciales en China. Fue allí donde se exacerbó la rivalidad ruso-japonesa. Las ambiciones rusas en Europa central se contrapusieron a los intereses británicos y austriacos; los Balcanes, atomizados, se convirtieron en un verdadero polvorín.

    La creciente influencia del positivismo y el evolucionismo permitió a la antropología y a la sociología convertirse en ciencias autónomas gracias a las investigaciones de Tylor, Frazer y Durkheim. Las teorías de Darwin fueron profundizadas por Spencer, pero muchos pensadores se rebelaron contra  el cientifismo. Bradley y Bergson cuestionaron los alcances de la inteligencia, que estimaban impotente para aprehender toda la realidad. Por otro lado, Nietzsche definía una nueva ética. La Iglesia Católica se abrió al mundo moderno con el papa  León XIII, quien admitió la superación del derecho divino de la monarquía y recurrió al tomismo para paliar la pobreza del pensamiento cristiano. Al amparo de los sentimientos nacionalistas surgió el antisemitismo, mientras que el socialismo reformista competía con el revolucionario.

    La novela naturalista de Zola subrayó las limitaciones de la conducta humana debidas a los factores hereditarios y sociales. En la literatura inglesa hubo una reacción contra los valores victorianos. El nacionalismo mantuvo vivo su papel de estimulo cultural. En Italia se celebró la unidad nacional.

    A finales del s.XIX nació en Europa un movimiento revolucionario de vanguardia. En Francia, Van Gogh,Gauguin y Cézanne cultivaron diversos estilos, nacidos todos del impresionismo. Los simbolistas rechazaron la visión impresionista y volvieron la mirada al pasado y al exotismo de los últimos prerrafaelistas ingleses, en los que encontró algunas de sus raíces el modernismo.Surgido en Bélgica y Gran Bretaña, basó su originalidad en un empleo casi abstracto de las formas naturales,ejerció notable influencia sobre la arquitectura y las artes decorativas e intervino en todos los niveles de la vida corriente. Las construcciones en acero aumentaron su difusión después de las exposiciones de París de 1878 y 1889; el empleo del acero posibilitó el nacimiento de los rascacielos en los Estados Unidos.

    El fin de siglo en Europa estuvo marcado por el replanteo de la supremacía de la música germánica, establecida desde Haydn, Mozart y Beethoven, por la disputa de la herencia del Romanticismo entre los continuadores de Brahms por un lado y de Wagner por otro y por la incidencia de la reivindicación de las músicas nacionales.

    Alemania poseía la mejor industria química del mundo gracias al lugar privilegiado que concedió su instrucción pública a la ciencia y a la tecnología y las inversiones que su industria dedicó a la investigación. Los medicamentos se convirtieron en producto de uso corriente con el auge de la industria farmacéutica. La medicina realizó grandes progresos con el descubrimiento de las vacunas contra las enfermedades infecciosas. La invención del teléfono, de la telegrafía sin hilos, los comienzos heroicos del automóvil, de la aviación y del cinematógrafo iban a convulsionar la comunicación de los hombres y de las ideas.

    De 1900 a 1925

    Las rivalidades económicas y políticas, que se tradujeron en crisis coloniales o balcánicas a comienzos del siglo, reavivaron viejos rencores nacionalistas y dividieron Europa en dos bandos hostiles. El atentado de Sarajevo inició el camino de los ultimátum, sin que los Estados pensaran seriamente en negociar. Cuatro años de lucha encarnizada se cerraron con un saldo de 13 millones de muertos y enormes perdidas materiales. La guerra terminó con una paz fallida; Alemania, humillada, pronto pensó en la revancha, mientras Francia se sentía amenazada por una Renania alemana y el Senado norteamericano se negaba a ratificar el tratado de Versalles. El triunfo del socialismo en Rusia inquietó a las democracias liberales. La perspectiva de una inminente revolución mundial  estimuló al movimiento obrero y aumentó la ansiedad de las clases medias, que aspiraban a un Estado fuerte. Así, Italia encontró en Mussolini su hombre providencial. La guerra consagró la decadencia económica de Europa, endeudada con Estados Unidos, convertidos en banqueros del mundo, mientras que la financiación del esfuerzo de guerra,causaba la aparición irreversible de la inflación, casi desconocida en el s.XIX.

    El advenimiento de Pío X marcó el fin de la política liberal llevada por el papa León XIII. Los filósofos Hussert y Croce prosiguieron los esfuerzos de Bergson para diferenciar las ciencias humanas de las naturales, acentuando la intuición y la comprensión inmediata como método básico del conocimiento. Sin embargo Wittgenstein y Russell continuaron considerando las matemáticas el paradigma del conocimiento en sus trabajos sobre estructura lógica del lenguaje. El psicoanálisis se dividió en varias escuelas al discrepar Freud,Jung y Adler sobre la importancia de la libido. Lenin creó la III Internacional, consumandose dentro del marxismo la ruptura entre revolucionarios y reformistas.

    La necesidad de nuevas formas de expresión capaces de abarcar la noción de lo inconsciente dio lugar a la aparición de numerosos movimientos individualistas en la literatura europea. Del simbolismo nació el surrealismo, cuya tentativa de “atrapar” el subconsciente en una forma literaria espontánea derribó todas las restricciones de estilo. El fantasma de la guerra obsesionó a muchos escritores y lo absurdo del mundo moderno inspiró,entre otros, al checo Kafka y originó el pesimismo de Pirandello.

    Las formas y conceptos tradicionales del arte fueron drásticamente alterados entre 1900 y 1925 al desarrollarse una variedad de principios estéticos alternativos. En particular el cubismo intentó escaparse de la perspectiva tradicional que rigió el arte europeo desde el Renacimiento, mientras el dadaismo y el constructivismo ruso querían destruir la distinción entre el arte y la vida.También en arquitectura surgieron nuevos estilos, en Estados Unidos y en Europa, con la publicación de los primeros diseños de Frank Lloyd Wright  y la fundación Bauhaus. Estas escuelas pusieron el acento en la asimetría y las superficies planas.

    El radicalismo artístico surgido después de la I Guerra Mundial produjo nuevas técnicas musicales y alteró los valores estéticos en la música.

    La teoría de la relatividad de Einstein y la del cuanto de Planck revelaron una imagen desconocida del funcionamiento esencial del universo.Aunque la Gran Guerra estimuló en Europa la investigación y los estudios tecnológicos, el centro del progreso científico se desplazó a América.

    Si ha conseguido llegar hasta aquí en este largo articulo, cosa desde luego no habitual, ponga a prueba,  ese “alto grado  de desarrollo de la sensibilidad donde los objetos y los seres adquieren un valor interior y finalmente un sonido interior que proclamaba Kandinsky, respecto a la pintura.

    Pequeña  galería  de  su  obra

    1 10 21 annkandinskyexersize bleu montagne kandinsky blk_spot churches new jerusalem homage to kandinsky Image7001 kan-1910-murnau_1 Kandinski Kandinsky kandinsky01 kandinsky1 Kandinsky 1913 Painting with White Border kandinsky 1926 accent in rose Kandinsky 1929 Upward Kandinsky - Around The Circle Kandinsky - Black And Violet Kandinsky - Coloful Ensemble Kandinsky - Complex-Simple Kandinsky - Composition IV Kandinsky - Composition IX Kandinsky - Composition LX Kandinsky - Composition V Kandinsky - Composition VI Kandinsky - Composition VII Kandinsky - Composition VII - 1913 Kandinsky - Composition VIII Kandinsky - Composition X Kandinsky - Contrasting Sounds Kandinsky - Dominant Curve Kandinsky - Improvisation 7 Kandinsky - Improvisation 31 (Sea Battle) Kandinsky - On White Ii Kandinsky - Ravine Improvisation Kandinsky - Sky Blue kandinsky - Small Dream in Red     1925 Kandinsky - Small Pleasures Kandinsky - Tempered Elan Kandinsky - Twilight Kandinsky - Untitled Kandinsky - White Figure Kandinsky - Yellow, Red, Blue kandinsky a kandinsky kochel graveyard Kandinsky paysages aux taches rouges 1913 Kandinsky_kleine-welten kandinsky-Small Worlds II, kndnsk57 ls_Kandinsky_1929_Pisos Vassily Kandinsky - Nel blu Wassily Kandinsky - Picture Xvi, The Great Gate Of Kiev Stage Set For Mussorgsky'S Pictures At An Exhibition I yrb_03 yrb_07

    Páginas  para saber  más   sobre  Kandinsky

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    Mas pinturas de Kandinsky

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    Clip_10 Museo Hermitage

    Mis  fuentes en  este  trabajo

    MAESTROS DE LA PINTURA (CONOSCERE L´ARTE)

    Volumen cuarto

    Editorial Noguer ,(Rizzoli) 1973

    HISTORIA DEL ARTE

    Salvat Editores  S.A. – Barcelona 1995

    THE JOY OF KNOWLEDG ENCYCLOPAEDIA

    Edición española de Salvat Editores S.A. – 1978

    WiKiPEDIA

    Bibliografía

    EL JINETE AZUL

    Wassily Kandinsky – Franz Marc

    Paidos Ibérica

    ISBN: 84-7509-563-1

    PUNTO Y LINEA SOBRE EL PLANO

    Wassily Kandinsky

    Andrómeda (2005)

    CORRESPONDENCIA

    Wassily Kandinsky – Franz Marc

    Editorial Síntesis S.A. (2004)

    CURSOS DE LA BAUHAUS (5ª ED.)

    Wassily Kandinsky

    Alianza Editorial S.A. (1998)

    DE LO ESPIRITUAL EN EL ARTE:

    CONTRIBUCION AL ANALISIS DE

    LOS ELEMENTOS PICTORICOS

    Wassily Kandinsky

    Ediciones Paidos Ibérica S.A.(1998)

    CARTAS, CUADROS Y DOCUMENTOS DE

    UN ENCUENTRO EXTRAORDINARIO

    Wassily Kandinsky

    Alianza (España) ISBN 84-206-8534-8

    VASILI KANDINSKY 1866-1944:

    EN CAMINO HACIA LA ABSTRACCION

    Becks-Malorny-Ulrike

    Taschen Benedikt (2003)

    ESCRITOS SOBRE ARTE Y ARTISTAS

    Editorial Síntesis S.A. (2002)

    INDAGACIONES ESTETICAS

    Edgardo Gutiérrez

    Editorial Altamira ISBN 987-9017-24-2

    LOS EXPRESIONISTAS

    Dube-Wolf-Dieter

    Editorial Destino ISBN 84-233-2909-7

    KANDINSKY, WASSILY (1866-1944)

    Obras del impresionismo

    Editorial Taschen (Alemania)

    ISBN 3-8228-0225-5

    KANDINSKY, WASSILY

    Ediciones Polígrafa S.A.

    ISBN: 978-84-343-0760-5

    VER LO INVISIBLE. ACERCA DE KANDINSKY

    (Voir l’invisible. Sur Kandinsky)

    Michel Henry Traduc.: María Tabuyo y Agustín López.

    Siruela. Madrid (2008).

    Esta obra se distribuye con una licencia de Creative Commons.

    http://www.blogalaxia.com/tags/arte”

    http://www.blogalaxia.com/tags/cultura”

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    Magritte y un problema sin solución

    Si un problema no tiene solución,

    quizá no sea un problema,sino un

    hecho:algo destinado no a ser resuelto,

    sino a ser sobrellevado con el tiempo.

    Shimon Peres

    Decía Charly Herscovic sobre Magritte y su obra:…..”las imágenes de los hombres no son los hombres, sólo las imágenes de ellos, por lo que no tienen que seguir todas las normas“.
    René François Ghislain Magritte (Lessines, Bélgica, 21 de noviembre de 1898 – Bruselas, Bélgica, 16 de agosto de 1967) fue un pintor surrealista belga.

     

    Creía Magritte en la falsedad de la representación pictórica que muchas veces puede mentir, por eso quiere que se tenga conciencia de ello y no nos dejemos llevar por el supuesto mensaje visual.

    De alguna manera hoy día (y ya no en el terreno del arte, sino de la vida),estamos viviendo verdaderas representaciones que tomamos como verdades y nos seducen, bueno,.. si…. ¡hasta creemos en ellas!.

    La mentira institucionalizada en la que vivimos instalados, nos hace creer, que esas imágenes de la sociedad, son verdaderas…..y no,no,no…no somos tan ricos, no somos tan cultos, no somos tan demócratas, no respetamos tanto a los diferentes…..podría ponerme a enumerar ejemplos, pero no quiero insultar la inteligencia de quien me lee (que sabe tanto como yo de esta cuestión),solo hago mención de la incompetencia general dominante (y no es patrimonio de una clase social, no),desde el albañil al arquitecto, desde el mecánico al ingeniero, desde el empleado de comercio al de ejecutivo de una gran cadena de supermercados, desde el alumno del colegio hasta el catedrático de universidad, parece que los Principios de Peter sobre la incompetencia están destinados a cumplirse uno a uno.

    Es muy minoritaria la opinión de que las metas deben conseguirse, con esfuerzo, con preparación, con paciencia, sin esperar recompensas, que el trabajo bien hecho es tan importante para uno mismo, como para los demás.

    La cultura toda, todo en lo que basamos hoy día nuestras vidas, arte, tecnología, medicina y hasta nuestros principios de convivencia, han sido construidos por personas que si creían en lo que hacían, que en la mayoría de los casos se ha  reconocido su trabajo bien hecho mucho después de desaparecer de su tiempo y sociedad. Hoy, gracias a esas minorías, sigue la llama del verdadero hombre, del verdadero progreso, (aunque no sigan las normas) y son estas minorías, los que llaman a ser conscientes de la falsedad de la representación, pero la bola de la mentira sigue creciendo.

    Y  en mi opinión, es un problema sin solución………por lo menos sino se endereza el rumbo de nuestra sociedad.

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    Tu problema









    Todo el mundo tiene problemas;

    la cuestión es no hacer un problema de tu problema.

    Andy Warhol



    Imagenes de Andy Warhol

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    Una pintura es un poema sin palabras (Horacio).

    Natura fieret laudábile carmen, an arte,

    Quaesitum est, Ego nec stúdium sine dívite vena,

    Nec rude quid prosit video ingénium; altérius sic

    Altera poscit opem res, et conjurat amice.

    Se ha discutido si un poema digno de alabanza,

    se debía á la naturaleza ó al arte.

    Yo ni veo lo que el ingenio aprovecha sin una vena rica,

    ni (lo que aprovecha) el ingenio rudo (sin arte):

    así cada una de estas cosas pide el auxilio de la otra

    y se alía con ella amistosamente.

    Quinto Horacio Flaco(65 a.c.-8 a.c.)


    Me sirven estas palabras del genial Horacio,para hablar de la intima relación de la poesia y la pintura y que en el gran Alberti tiene un gran exponente.

    Varias paginas dedican su espacio a esa relación y algunas trasmiten una emoción digna de ser compartida.

    La poesia no ha muerto,si preguntas por ella,sigue vivita y coleando,esta en todas partes y solo hay que saber verla.

    Dos poemas visuales el primero de Rafaél Alberti y el segundo de Antonio Gala.

    Hoy encuentro,temblando ya vacia,
    la casa que los dos desperdiciamos
    y el vago sueño del que despertamos
    sin habernos dormido todavía.
    Acordarse del agua en la sequía
    no hace brotar ni florecer los ramos.
    ¿Dónde estás, dónde estoy, y dónde estamos?
    ¿Qué fue del mundo cuando amanecía?
    Hoy me pasa el amor de parte a parte.
    Temo encontrarte y no reconocerte.
    Temo extender la mano y no tocarte.
    Temo girar los ojos y no verte.
    Temo gritar tu nombre y no nombrarte…
    Temo estar caminando por la muerte.

    Antonio Gala (1936- )

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    DOSPUNTOCERO Y ARTE

    Imagina la situación: tienes en la puerta un potente automóvil, subes enfilas una autopista, aceleras…100,..120,…140,…180,…200 km/h y de pronto te preguntas ¿adónde voy?, y….no tienes respuesta.

    Esta tendería a ser la sociedad de la información, de las nuevas tecnologías, de lo digital, si no tuviéramos claro que debe de servir para el desarrollo humano, de seres humanos libres con escalas de valores y creatividad, que sean capaces de no dejar que la idiocia a la que los Mass Media intentan sumergirnos, nos ahogue.

    La profesora Ángeles Saura lo tiene muy claro:

    “Detrás de cada progreso de la humanidad hay un inventor….un creativo”
    “Me parece muy importante unir los conceptos ARTE y TECNOLOGÍA
    “La Sociedad del Conocimiento debe favorecer el desarrollo de seres humanos creadores y sensibles”.
    “La educación es un proceso muy complejo pero, en todo caso, debe fomentar la capacidad de descubrir y buscar respuestas por uno mismo en lugar de esperar pasivamente las indicaciones de otros”
    “Se apuesta por lo DIGITAL, SI…pero recordemos que es más importante el ARTE. El arte como transmisor de conocimiento y como base para el desarrollo de la capacidad del conocimiento”.

    Ángeles Saura,artista y verdadera pionera en España de la nueva sociedad,creadora del blog ARTENLACES, nos da las premisas necesarias para que la Web, no se convierta en otra máquina de embrutecimiento de fácil utilización por aquellos que quieren que seamos exclusivamente unos consumidores sin criterios.

    Esta dospuntocerista, empezó en el ya lejano 2003, esa lucha por unidad de conceptos con la creación de una página de referencia para profesores y alumnos. Y no ha dejado de luchar por la creación de seres humanos libres.

    Creo que deberíamos tomar ejemplo y avanzar en ese camino y en esa senda de descubrimiento del arte y la Web, tengo que mencionar a una pagina excelente,enlace que encontré en Óleos y Música, llamada El arte de conocer a los desconocidos, en la que puedes encontrar a muchos artistas implicados en esto del arte digital.

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    Arte interactivo

    Experimentar personalmente la creación de una obra de arte es lo que nos ofrece esta pagina Web chilena,el Museo de Arte Virtual,Canal Cultural.

    De forma interactiva y utilizando las herramientas que ofrece internet como soporte,podemos de una manera intuitiva alterar las propuestas ofrecidas con toda libertad.Déjate llevar por la imaginación y sentirás al artista que llevas dentro.

    Si quieres una seleccion de los 35 mejores sitios de Web de Arte revisa esta lista publicada por la Fundación Pais Digital

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    Sobre la muerte y el arte

    Gregor Schneider,es un artista aleman conocido por ser ganador del León de Oro de la Bienal de Arte de Venecia en el 2001,en su intento por romper tabues sociales ha querido,en Alemania exponer en un museo a un moribundo

    Entrevistado por eldigital del diario Die Welt,afirmó que:

    “La muerte y el camino a la muerte son desgraciadamente hoy en día un sufrimiento”

    Defendio su idea de:

    “exponer a una persona a punto de morir de forma natural o que acaba de fallecer”

    El artista dijo que busca a alguien que “dé previamente su acuerdo a todo”. “Estará en el centro de todo y todo se desarrollará con el consentimiento de sus allegados”, aseguró Schneider.

    Leo esta noticia con perplejidad,pues mi capacidad de asombro esta desbordada.

    Creo que sí,la sociedad occidental conserva unas actitudes ante la muerte profundamente mediatizada por la cultura heredada.

    Los norteamericanos, tanto negros como blancos, generalmente no esperan que sus familias los cuiden o carguen con ellos en la vejez o en la enfermedad, y son más proclives a pasar esa época de sus vidas en sanatorios o residencias para la tercera edad.

    Los árabes, por el contrario, ansían que sus familias se hagan cargo de ellos y les supone un gran stress el pensar que tengan que vivir sus últimos días y morir en una residencia.

    Para los hispanos, resulta muy importante el hecho de morir con dignidad y no tener que depender de sus familiares en caso de senilidad o de enfermedad grave. Por lo tanto, no se resisten tanto como los árabes a la idea de pasar sus últimos momentos con personal especializado en cuidar ancianos. Este grupo parecía más proclive que los otros a querer controlar el momento de su muerte.

    Otras sociedades tienen actitudes totalmente distintas
    ,pero de lo que no se habla es del intento de banalización que entraña la postura de este artista.Pues en todo tipo de sociedades sobre todo lo que hay es un gran respeto hacia ese transito.

    Hay entre nosotros un movimiento cada vez mayor en favor de la muerte digna(y no tiene nada que ver con innovaciones plasticas).

    Esta exagerada(para mi por supuesto),manera de entender el arte,me trae el recuerdo de otras recientes como la escatologica exposición defecaciones y otras lindezas, que con una gran repercusión en los medios, se han visto ultimamente.

    El artista siempre escapa a su tiempo y es precursor de nuevas formas de ver la realidad,pero esta ruptura debe de tener ante todo el objetivo de mejorar a sus semejantes,y yo me pregunto¿los Schneider de turno,van por ese camino?.

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